工笔是哪种绘画形式的技法(八大山人)

寻访四僧刘晓林四僧者，弘仁、髡残、石涛、朱耷也！九天居士赴故宫寻访，虽人去而命存。嗟夫，其作不朽矣！披云峰下隐欧盟，疏寒孤寂自家风。唤来梅花常作伴，点划黄山任纵横。（弘仁）湖广武陵石道人，幽栖寺内渐修深。秃笔渴墨斫轮手，腕下聊运已缤纷。（髡残）清湘老人济山僧，别开生面耀天明。搜尽奇峰打草稿，画论卓茕燃孤灯。（石涛）简逸郁勃圆融客，鬼斧神弓费评说。雪个异禀凌丘壑何须面壁效达摩？（朱耷）翰苑久无烟波宕，九天遥思倍感伤。且待挟得风雷起，翠微迭发尽光茫。

本来国画艺术到了一定层级，就艺术成就来说，无所谓高低之分。他们两个的确是有很多共同点，同是亡国之人，也都是明王室后裔，又都是出家为僧，被称为清初“四僧”是指活动于明末清初的八大山人、弘仁、髡残、石涛四人。他们的书画以先贤为师，兼容并蓄，既继承优秀的绘画传统，又主张抒发个性和创造力，在实践中不断求真、求变。四人虽艺术风格各异，但基于坎坷曲折的生活经历，他们的书画作品大多具有强烈、真挚的感情彩，不但个性鲜明，而且艺术面貌独特新颖，极富艺术内涵。他们作品的艺术特对清代乃至近现代、当代书画产生了巨大而深远的影响，形成了一大批以“四僧”为师的书画家体。他们的另一个相同点，就是可为一代宗师之人，所以到了这个层级，艺术方面肯定都造诣高深，只能说各有千秋特点不同，实在无法分出高低，要不然以后对他们的评价行家也不尽相同，如王原祁就把石涛誉为"大江以南第一"。黄锦祥誉石涛为:"略逊八大之画坛奇僧，名震于今。"郑板桥也无法分出高低，只是说“石涛善画，盖有万种，兰竹其馀事也。石涛画法，千变万化，离奇苍古，而又能细秀妥帖，比之八大山人，殆有过之，无不及处。然八大名满天下，而石涛微葺耳。”还作诗云：国破家亡鬓总皤，一囊诗画作头陀。横涂竖抹千千幅，墨点无多泪点多!如果真要分个高低，那若论给予后世的影响，八大远没有石涛的广，譬如扬州八怪，不啻都是石涛的私淑，他们都崇尚主观，发挥个性，笔墨恣肆，不受古法束缚，实和石涛如出一辙的。还有可能与石涛不仅画艺高超，还有高深的美术理论有关，一部《画语录》深刻地总结了这位画坛奇才的绘画艺术观和美学思想，对后世产生了较大的影响。如果说自己的一些想法，又觉得八大山人的艺术风格，比石涛更接近艺术的本质，比如石涛作画构图新奇。无论是黄山云烟，江南水墨，还是悬崖峭壁，枯树寒鸦，或平远、深远、高远之景，都力求布局新奇，意境翻新，这总是还要搜尽奇峰打草稿。而八大山人笔墨以放任恣纵见长，苍劲圆秀，清逸横生，不论大幅或小品，都有浑朴酣畅又明朗秀健的风神。章法结构不落俗套，在不完整中求完整，更加直书胸怀而自出己意。要不然另一个国画一代宗师白石老人曾有诗曰:"青藤(徐渭)雪个(八大山人)远凡胎，缶老(吴昌硕)当年别有才。我原九泉为走狗，三家门下转轮来。"

苦瓜和尚苦何多，一画初成腕底歌。法天法地铸我法，勾皴点染费磋磨。搜尽奇峰覓草稿，万点恶墨写铜驼。哭之笑之耳朵大，白眼看天看闫罗。河上花开千万点，鱼翔浅底净无波。残山剩水家何在，后学先生共一柯。

谢谢你的提问和邀请。石涛和八大山人都是清代最有艺术创造性成就的画家。八大山人要比石涛年龄大20多岁。有趣的是，他们都是明宗室后裔。可能是这个原因之一吧，他们互相慕名，有书信往来，互相都非常尊重对方。石涛听说八大山人七十岁还能够健步如飞，登山如履平地，更是对八大山人的健康非常佩服。八大山人和石涛都属于非官方派的画家。他们在绘画上的创新精神，就是现在看，也是高于时伦的。尤其石涛从理论上大胆提出“笔墨当随时代”是具有创造性的呐喊，对于清初四王统治下的因循守旧，是一种强烈的叛逆。但是，石涛和八大山人两个人还有一点不一样。八大山人是一个彻底的隐逸者，也是一个精神不合作者。他一直保持了一个明代遗民的精神，从来没有想过与清朝的官方合作。他的这种精神思想，对他的绘画美学，影响是非常深刻的。但是，石涛就不一样，他非常希望得到乾隆皇帝的欣赏，有朝一日成为宫廷御用画家。宫廷画家王山谷也非常推崇他，称赞他是江南第一才子。但是，石涛的这个梦想彻底现实打碎了。乾隆下江南，根本没有欣赏石涛的画。这位自称书画皇帝的乾隆，也没有看得出来，石涛绘画有什么创造性。这与乾隆的狭隘胸怀无不有着深刻的关系。中国的闭关锁门，也就是从乾隆开始的。像石涛这种“粗头乱发”当然不会合乎乾隆的欣赏习惯 以，我们看八大山人的画，那种傲岸精神，可以说从来都是没有改变过的。所以，他的画有一种不可抗拒的力量在里面。而石涛的画就没有那样有力量了。同时，八大山人的作品，笔墨更加凝重含蓄，欣赏起来有一种耐人寻味的滋味。所以，八大山人比石涛的艺术成就要高一些的，甚至高出很多。尽管他们两个画家的绘画领域不一样。例如，八大山人主要是花鸟画，石涛主要是山水画，那也无法改变八大山人绘画成就更高的事实。这无论是从意境还是笔墨，八大山人的成就更高一些。

中国美术史如果没有二僧，就没有实质意义的“中国写意画”，唐、五代、两宋是“工笔”画的巅峰期，山水画也是工细的没办法在去形容的了，元四家是写意的“萌芽”期，明代又回归了一阵子工细格调，从“摹古”的四王和“叛逆”的“四僧”开始，中国写意画大放手脚，异彩纷呈

八大山人的画具有古琴特征，是弹给自己听的。所以，作品抒发的是自己的内心世界，从境界上来讲是个“缘”字，与欣赏者之间存在着“知音”关系。而石涛的画犹如敲锣打鼓，非常符合民间喜好热闹的特征。所以，现代人至今还在模仿复制着石涛的山水画，作品具有强烈的流行原素。 最大的讽刺是，石涛拼命打破的传统山水画，流行了几百年的”闭门造车”抄袭方式，没想到自己的创作与理论如“心画”、”一笔画”、“收尽奇峰打草稿”等，又成了新的“闭门造车”依据，至今被抄袭复制了几百年，反而成了时代进步的绊脚石…… 站在艺术角度来讲，绘画的自我抒发精神才是石涛“心画”理论的实施者，而“收尽奇峰打草稿”之说就显得不太厚道，也难怪石涛本人也不善长画中堂尺幅的画，这是因为此理论本来就有问题，反到是给投机分子提供了胡编乱造的依据。本人曾经说过，传统山水画到黄宾虹而结束。 顺便再说一下，传统文人画被吴昌碩而终结。 借用石涛的话收尾就是，笔墨当随时代！！

石涛的有理论高度，对国画有推进作用

谢邀！石涛与八大山人同为一时期的书画名家，又都是明宗室，后来都出家当了和尚，是“清初四僧”之二。我认为，二人的艺术成就不存在谁高谁低的问题，何况前人也没有人作出过评判。但一些书画大家好像倾向于石涛。齐白石称赞石涛“下笔谁敢泣鬼神，二千余载只斯僧；”画家傅瑞麒因仰慕石涛改名为傅抱石；吴冠中认为，中国现代美术石涛是起点。

头条邀请我回答石涛和八大山人谁的艺术成就最高这个提问，使我想起十多年前，我在中央美院求学深造时曾经买过北京大学出版社朱良志著的《石涛研究》和《八大山人研究》二本厚厚的专著来……石涛，明末清初的“清初四僧”之一。本姓朱，名若极，广西全州人，石涛年幼时由太监带走，出家法名原济，字石涛，别号大涤子、清湘老人、苦瓜和尚、瞎尊者等，曾拜名僧旅庵本月为师，性喜漫游，晚年居扬州。他既有国破家亡之痛，又两次跪迎康熙皇帝，并与清王朝上层人物多有往来，内心充满矛盾。他半世云游，饱览名山大川，是以所画山水，笔法恣肆，离奇苍古而又能细秀妥帖，为清初山水画大家，画花卉也别生趣。其山水不局限于师承某家某派，而广泛师法历代画家之长，将传统的笔墨技法加以变化，又注重师法造化，从大自然吸取创作源泉并完善表现技法，画风新颖奇异、苍劲恣肆、、生意盎然。其花鸟、兰竹，亦不拘成法，自抒胸臆，笔墨爽利峻迈，淋漓清润，极富个性。石涛的绘画，在当时即名重于世，对清代以至现当代的中国绘画发展产生了极为深远的影响。著《苦瓜和尚画语录》，阐述了他对山水画的认识，提出一画说，主张“借古以开今”，“我用我法”，和“搜尽奇峰打草稿”等，齐白石称石涛“下笔谁敢泣鬼神，二千余载只斯僧”。石涛在中国绘 画史上罕见的思想者，一篇《画语录》，几乎成为中国画学史乃至中国美学史的压卷之作。朱耷，明末清初的“清初四僧”之一，字刃庵，号八大山人、雪个等，江西南昌人，他是明太祖朱元璋第十七子朱权的九世孙，本是皇家世孙。明亡后削发为僧，成了亡命之徒，后改信道教，住南昌青云谱道院。擅书画，花鸟以水墨写意为主，形象夸张奇特，笔墨凝炼简约，山水师法董其昌，笔致简洁，有静穆之趣，得疏旷之韵。擅书法，能诗文，用墨极少。朱耷一生坎坷，曾一度精神失常，他选择与世隔绝，在创作中安放自己孤独的灵魂。用他自己的话说，“墨点无多泪点多，山河仍是旧山河。横流乱世杈椰树，留得文林细揣摹。”八大山人的山水和花鸟画及书法都具有强烈的个性化风格和高度的艺术成就，尤其是其简笔写意花鸟画。三百年来，凡写意画派都或多或少受到了他的影响。清代张庚评他的画达到了“拙规矩于方圆，鄙精研于彩绘”的境界。八大和石涛，都是大明的后裔， 又都是出家画僧，他们处境相似，内心世界复杂，对后世影响极大，但他们的禀性和为人处世却不尽相同。八大和石涛虽处同一时代，却非同辈人。据年谱和史料研究，八大年长石涛16 岁。他俩相互推崇， 不仅有书信往来，还有画事上的合作。他们都是笔墨的“胜流”，都是世俗的叛逆者。我认为八大山人在艺术成就上要比石涛更加高一些。石涛做不到出世，反而相当入世。观八大一生孤寂、高傲、愤世嫉俗、蔑视虚伪做作，以真性、真意充盈于画面，人生观与艺术观高度谐和统一，清末的扬州八怪诸家，近代的吴昌硕、齐白石、张大千、潘天寿等，无不深受其艺术的影响。就此而言，八大确实是中国画史上‘前承古人，后启来者’的一代大宗师，其作品也更不愧为是中国传统文人画、禅宗画的顶峰之作！八大山人的绘画艺术不仅是中国的，而是世界的。正如有人把20世纪意大利著名绘画大师莫兰迪的艺术比喻成中国的八大山人，可见八大山人的艺术在世界艺术界的高度是何等的重要，它必将会继续影响人类的艺术走向。

谢友邀答。问：已故画家石涛与八大山人谁的艺术成就最高？答：各有其主，风格各异。石涛，终生以走江湖，卖画维生，俗称海派画家。画风以大写或小写（半工笔）为主笔，其表现内容多以山川河流为主题，偶尔也画一些人物。花卉少见，又被俗称谓仕僧画家。如：松石图，秋山眺望图等等。画中插有人物，亭阁，水流等物象，奇生自然。八大，俗称诡异画家。其画风自然流畅，奇妙廊廓，多以小写（半工）笔为多见。其内容有小到一只鸟一朵花一枝叶，大到江河横溢，人物维妙维肖。大型山水少见，偶尔见有背景山水。以上在美术界的两大高人，都为中国传统绘画留下了珍贵而又实用的国画精髓，对后人影响深远。学有崇之，画有立之，盛名及成就感齐腹相当，各有光彩。

传统绘画方式有很多，不拘一格，流传下俩都是经典的绘画方式。国画：毛笔沾取墨汁，彩墨等在绢或纸上绘画。油画，用油彩在画布上绘画。水彩，应颜料在专用的水彩纸上绘画。素描，用铅笔绘画。水粉——-等等

按题材分为山水画，花鸟画，人物画，按画幅的形式分为横幅，竖幅，圆形的，还有其他特殊形状的

1、中国画：汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画被称为中国画，是五四以后相对西方绘画而产生的，又称国画。2、油画：油画是西洋画的主要画种。以易于油剂（亚麻仁油、油、核桃油等）调和颜料，在亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为押发性的松节油和干性的亚麻仁油等。3、版画：版画（print）是视觉艺术的一个重要门类。广义的版画可以包括在印刷工业化以前所印制的图形普遍具有版画性质。当代版画的概念主要指由艺术家构思创作并且通过制版和印刷程序而产生的艺术作品。4、雕塑：雕塑是“造型艺术”的一种，是雕、刻、塑三种制作方法所塑造的艺术形象的总称。以各种可塑的粘土等或可雕可刻的木、石等材料、制作出各种具有实在体积的形象，表现手法一般借助于体积和结构等。5、抽象国画：中国抽象国画，是中国绘画中的一种现代中国画，它必须具有中国文化元素的最重要特征，它是传统的中国国画艺术的继承、发展和升华。6、内画：内画，是我国一种特有的传统工艺，它的产生起源于画鼻烟壶。内画的画法是以特制的变形细笔，在玻璃、水晶、琥珀等材质的壶坯内，手绘出细致入微的画面，格调典雅、笔触精妙。7、手绘：手绘，也叫手工绘画，或者涂鸦。在中国应该算是近些年（2000年左右）新起的一行，如手绘鞋，手绘T恤，人形抱枕，手绘钱包等，都是主要的手绘对象。8、指画：指头画又称指画，指画至今已有300多年的历史，是中国传统绘画一个旁支。指头画，一般不用或极少用毛笔。史书上记载得比较明确的创始人是清初康熙年间的高其佩。9、工艺美术：对物质材料进行艺术性的改造与加工，使之具有实用价值和审美价值的一种造型艺术。既满足人们的物质生活需要，又满足人们精神生活的需要，是实用和审美的结合，技术和艺术的统一。10、素描：一种主要以单线条和块面来表现物象的绘画形式。通常作为锻炼绘画基本功的手段，以训练观察和表现客观物象的形体、结构、明暗、质感、量感和空间感的能力。

中国画这一艺术形式之所以能在世界绘画史上占有极其重要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。纵观中国绘画史，我们会清醒地发现，创新并不是现在才提出的问题。从隋代的展子虔到清代“四僧”再到近代的黄宾虹、齐白石、徐悲鸿等，不是在创新中崛起、发展、壮大的。

唐朝《簪花仕女图》北宋《早春图》齐白石《虾》中国传统绘画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。笔墨纸砚是中国画的工具。严格来说中国画的分类很复杂： 从画的内容来看可分为：人物画、山水画、花卉画、禽鸟走兽虫鱼画、界画等。人物画是我国传统的画科之一，内容以描绘人物为主。因绘画侧重不同，又可分为人物肖像画和人物故事、风俗画。人物画一直是中国传统绘画最主要的画科。《舞弄琵琶的古代仕女图》唐代张萱《捣练图》山水画，简称“山水”，中国画画科之一。是以描写山川自然景为主题的绘画。主要有青绿、金碧、没骨、浅绛、水墨等形式。在艺术表现上讲求经营位置和表达意境。南宋山水画五代山水画元代山水画花鸟画，我国传统绘画画科之一。以描绘花卉、竹石、鸟兽、虫鱼等为画面主体。四五千年以前的陶器上出现的简单鱼鸟图案，可以看作最早的花鸟画。据唐代张彦远《历代名画记》中的记载，东音和南朝时，画在绢帛上的花画已经逐步形成独立的画科，并且出现一些专门的画家。五代、两宋间，这一画科更趋成熟。 界画，也是中国画画科之一。指以宫室、楼台、屋宇等建筑物为题材，而用界笔直尺画线的绘画也叫“宫室”或“屋木”。 中国画绘画艺术历经数千年的发展，形成了世界上独数一帜的风格，并对周围的国家和地区产生了深远的影响，甚至西方的绘画也从中汲取良多。这一特的形成，与中国的社会发展，民族欣赏习惯，以及传统学术思想有着密不可分的关系。

　传统的绘画方式有哪些？中国绘画按其使用材料和表现方法，可分为水墨画、重彩、浅绛、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国历代绘画，既以中国传统毛笔和墨，在宣纸和绫绢上所作的画。为了区别油画、水粉、水彩等西方绘画，统称为中国画或简称国画。建国初期，出现把国画叫做水墨画的一种叫法，最新潮的又出现“改造水墨画”或可叫做“当代水墨画”。为了区别开来，便把以国画传统绘画方法绘制“归”进历代绘画，叫“传统绘画”。简单点这么说吧：坚持国画美学基础的国画家把自己的作品叫做中国画，学了西画美学基础的“国画改造者”则把他们叫作“传统派”和“传统绘画”，自己是“当代派”和“当代国画”。当代国画家即使坚持国画美学基础和在创作中使用传统绘画技法，难道其作品就不是“当代国画”么？“国画改造者”把当代国画家的作品归类进传统绘画一说实在不伦不类，且有贬低他人抬高自己之嫌。　　　中国画不以写意和工笔分类，例如山水根本没有工笔一说。即使界画写楼台亭阁比较工整，配景仍然采用写意手法，同样不属工笔。　　中国画家历来把线视为一种有生命的元素，中国传统画运用各种线条的组构表现个体的情思，并运用线条的长短、粗细、曲直、方圆、干湿、浓淡、刚柔、强弱、毛光、顿挫、徐疾、迂缓、疏密、虚实、隐显等对比手法，表现物象的气韵、形体、空间、质感等，使线在运动和变化中彰显出自然和谐之美。线的应用一直为中国艺术家所关注．这也是构成中国画迥异于其他民族绘画形式的重要特征。　　 空间的虚拟性　　中国传统的道家哲学在传统画发展中起着重要作用，《老子》中对美的本质规律的深刻见解，为历代艺术家所身体力行。道家思想认为天下万物生于“有”。“有”生于“无”，“无”名无地之始，“有”名万物之母。反映在中国传统绘画上，就具体体现为空白的运用。空白是中国传统绘画的主要特点之一。如我国千余年来常画不衰的《四君子图》，把冬春绽蕾的梅、金秋开花的菊、夏季最为茂盛的竹这些不同时间的花木集于一体，其背景运用了超时空的虚白处理，表现了无限的时间和空间。这种以虚代实的虚拟手法使画面更简练，主体形象更鲜明突出。不仅给画家以更大的自由，同时还给观赏者留下充分想象的余地。引导观赏者和作者一起进入神与物游的境界。　　物象的程式性　　中国传统画的程式是一套由历代画家从大自然中提练出来，经过艺术总结、提炼的相对稳定的规范性艺术语言，它能表达思想感情，并形成特有的艺术风格。中国传统绘画物象的程式性，可以说是千锤百炼的智慧结晶。如古代画家在表现自然风景过程中总结出了山石、树木的表现形式，使它们成为流派的特语言。这种程式性和一定的装饰意味，如同诗有格律一样，对中国山水画与诗结合的意境起着重要作用。中国传统绘画物象的程式性从产生、成熟．随历代画家的努力而不断发展。这是因为人有性格、趣味、修养的差别．应用时出现千差万别，不尽相同，又有人不满足现在的程式，并加以变化创造，于是又会创造出新的表现程式。在不断的发展过程中，旧的程式被取而代之，成为历史的陈迹；新的程式又为以后的人们接受或改变创新。因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此．在不断地交替着向前发展。例如传统山水画的程式性形成，历经晋魏初创期，至五代迅速成熟，各种技法相继产生．荆浩开创的小点为皴画法，经过关仝、范宽的继承和发展形成气势雄强的北方画派，与此同时，南方的董源、巨然的水墨、山水画风也已形成中国传统绘画的程式性并具有自己的审美价值，我们必须掌握其基本规律，去粗取精，才能有所创新。也只有深入研究传统程式，才能发现中国传统画的特点和精髓。　　 主体的意象性　　“意象”一词表达的是艺术创造中的主观与客观关系问题．是指客观事物作用于人的主体精神时产生出的表现之“意”．被实现于创造出的“象”，即艺术作品。这本是艺术创作包括写实具象艺术的共性。但中国传统绘画与西方传统绘画有很大差别：中国传统绘画的艺术家对外部事物的把握重体悟、崇尚情韵与意境．主张“立意为象”、“随象写意”，故在审美取向上认为“论画求形似，见于儿童领”，追求“似与不似之间”，因而必然导致意象变形、形随神变。这在中国传统绘画的人物画和山水画中都有所体现。　　在人物画方面，五代石恪的《二祖调心图》和南朝梁楷的《泼墨仙人》可谓典型。从画面看，这些佛道人物都沉湎于如真似幻的境界。作者也仿佛在转瞬即逝的灵感驱动下，急速捕捉这一意象．故而笔墨迅疾、简洁、活泼。造型也在“似与不似之间”，意到为足。这一风格，当时称“减笔画”，即当今的水墨写意画。　　中国传统绘画是对无生命的山水景物融入了作者的情、意、趣。宋徽宗的精巧雅致，人工描绘痕迹，透出皇家美趣；苏东坡把顽石、枯木画得随意自在而虚寂，正是他达观、自得的心态使然；八大山人的顽石，岌岌可危，不能说与他内心的苦闷和虚无情绪无关；齐白石以特殊的视角，一个圆加上几条线就把牛的特征提炼出来，西方人可视为符号，中国人则视为大写意趣味。　　综上所述，中国传统绘画形象与造型的三个特征，反映出独特的审美观念和文化特质。构成了其独特性并独具魅力，丰富了世界美术宝库，值得我们去研究、吸收和发扬。

可以这么说，只要是有人类生活的地方，几乎都会产生当地的绘画艺术。中国画、日本的浮世绘、西方的油画艺术等等，这些都是传统的绘画方式。当然，要论传统底蕴之深厚，传承了数千年的国画堪为翘楚。但是，要论影响范围之广，受欢迎程度最高的还是要属西方的油画。就算在当今中国的绘画界，油画的影响力不仅可与国画分庭抗礼，甚至在很大程度上已经占据了主流地位。先说一下中国传统绘画的主要种类如果是站在美术史的角度，民国以前的国画我们都统称为古画。自然，民国以前的绘画也都是我国的传统绘画方式了。古人一般称绘画为丹青，不仅采用宣纸作画，绢、帛等都是经常采用的作画材料。而且注重装裱，大多装裱成卷轴画加以珍藏。民国时期，油画等外国绘画形式传入中国，为了更好地区别，大家习惯称丹青为中国画，也就是“国画”。应该说，国画使用的工具毛笔、水墨和颜料都是中国特有的。很多人钟情于水墨画，甚至有些人以为国画其实就是水墨画。这种理解是不全面的。其实国画依照使用材料和表现方法的不同，可以细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等绘画形式。另外，根据绘画题材的不同，又可分为人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，不仅有横向展开的横披，纵向展开的条幅、中堂，还有盈尺大小的册页、斗方，另外还有西方人很少见的长卷(又称手卷)以及画在扇面上面的有折扇、团扇等。国画反映了我们这个民族独特的社会意识和审美情趣。国画在世界美术领域中自成体系。集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。经过几千年传承，如此深厚的传统文化底蕴，的确是西方绘画形式望尘莫及的。影响力极为广泛的西方油画艺术尽管油画艺术真正传入中国不过百年历史，但是现在就连普通大众都对油画司空见惯了。其实油画艺术在西方的历史也不过五、六百年而已，与几千年历史的国画是没法比的。但是，或许是国画蕴含了太深的传统文化底蕴，外国人很难理解、接受。以造型和彩表现为主要特点的油画，其传播力度却远远强于国画。油画大致也可分为写实类和抽象类两种表现形式。绘画风格包括古典写实主义、印象派、后印象派、野兽派、立体主义、超现实主义等等，不胜枚举。短短几百年的发展历史，油画艺术却涌现出了诸如达芬奇、拉斐尔、安格尔、莫奈、米勒、梵高、高更、塞尚、毕加索等等绘画大师，流传着《蒙娜丽莎》、《向日葵》、《和平鸽》等大量令人叹为观止的经典艺术作品。尽管在美学思维和审美习惯上来说，东西方绘画形式都显得有些格格不入。但是现在有了越来越多的相互借鉴和融合，在艺术表现形式上也有了更多尝试和摸索。很难将现代绘画和传统绘画的成就做出比较，毕竟，今天的绘画艺术也终将成为传统绘画形式。

中国历代绘画，既以中国传统毛笔和墨，在宣纸和绫绢上所作的画。为了区别油画、水粉、水彩等西方绘画，统称为中国画或简称国画。建国初期，出现把国画叫做水墨画的一种叫法，最新潮的又出现“改造水墨画”或可叫做“当代水墨画”。为了区别开来，便把以国画传统绘画方法绘制“归”进历代绘画，叫“传统绘画”

中国历代绘画，既以中国传统毛笔和墨，在宣纸和绫绢上所作的画。为了区别油画、水粉、水彩等西方绘画，统称为中国画或简称国画。建国初期，出现把国画叫做水墨画的一种叫法，最新潮的又出现“改造水墨画”或可叫做“当代水墨画”。为了区别开来，便把以国画传统绘画方法绘制“归”进历代绘画，叫“传统绘画”。简单点这么说吧：坚持国画美学基础的国画家把自己的作品叫做中国画，学了西画美学基础的“国画改造者”则把他们叫作“传统派”和“传统绘画”，自己是“当代派”和“当代国画”。

谢邀！简单回答！工笔山水和写意山水都是中国的瑰宝。是西方油墨达不到的效果。工笔画务实，讲究线、划规整，绘作功底要深厚；而写意山水，是突出每个人的个性，将自己的情感融汇于作品中。用水墨浓淡、稀薄彩厚，将山川江河、宇宙日月发挥到绝致。写意山水是表达自然突变、表达自己心境最好画种。我自己也喜欢欣赏写意山水。谢谢！我的乖乖，没有写意山水画配图，随配了两张画，忍住莫笑！

谢邀:对不起，本人不懂画作，不能乱评论。[捂脸][捂脸][捂脸]

我喜欢工笔和工兼写的小写意。可能是我没有系统地学画，或者道行太浅吧。感觉工笔和小写意的形象更逼真，更细致精巧。可能是形象思维不太活跃吧，对大写意有些摸不着头脑。

我喜欢工笔山水画循规蹈矩的精巧细腻，更喜欢写意山水画的画法的暢酣淋漓，所表现的大气磅礴与千山万壑。

山水画，我比较喜欢写意山水。1-写意山水，笔法多变，直舒胸臆。大家知道，写意画重在写，与书法险绝，陡峻，变化自如融为一体，在不同情绪下有不同表现形式，能更好的表达作者情怀，达到视觉上，感情上的高度统一。工笔画则大多三矾九染，程序复杂，耗时过长，舒情达意稍差一些。2-写意山水以描述广阔无垠的山川地貌，具磅礴大气之象。写意山水不论尺幅大小，几乎呈大气象，晴岚雾霭，风霜雨雪包罗万有，空间感非常广阔，整体气势易于把握；工笔山水则精于局部千描万染，重在描染，突出明暗，物像呆滞不易整体把控。3-写意山水画令人观之畅快淋漓，工笔山水则显得拘谨。

天然山水?【启蛰】启蛰惊春二月节，雷碾宵小瘟君灭，阳暖虫动雨渐频，物长卉蓄冬方歇，鸦鸣鹰伺白虎猎，苞含枝望露芽怯，封梳锁针熏艾草，疏花定果择弱别；天鼓润柳声振斜，山水斟酌临画帖，南耙北犁今为始，破土播愿葬残孽。青鹏.2020.惊蛰【注】网传古书云，瘟疫始于“冬至”，衰于“惊蛰”，故今年尤为期盼惊蛰节气了；春雷阵阵，唤醒蛰虫，实因暖阳煦风更为给力；春雨频落，由南至北渐入春境，（耙地在犁地工序之后，耕种随温度由南往北方的次序进行，“南耙北犁”意为南方要先于北方开始耕种）；怯怯新芽，着枝期盼，缓缓展露身姿。梨树为更好坐果，择优留下花芽，算是优胜劣汰。二月节几多黎俗忌讳？免动针梳，艾烟熏家舍；乌啼叫，鹰变鸠，传说中的白虎更虎视眈眈，抹油堵嘴避之，切莫计较，只愿这天雷滚滚驱邪镇妖；河畔柳垂絮摆，柔润斜舞，看山水紧跟春的步伐，临摹画卷妆点江山；寒方歇，冬始竭，开春破土播撒希望，翻埋这残瘟余孽，还我清净世界。

各有各的千秋，如烈酒跟清茶，观者看一种心境，创作者抒发一种情怀，时间和精力、素材跟准备都是阅历的沉淀，所以并非毛笔挥一下就是国粹，任性和作品会是两码事，我们看到一个人技法娴熟，记忆力超强，有一种叫背画，有一种叫创作。所以，喜欢的真是各有不同，摒弃丑陋就好[祈祷][玫瑰]

当先谢谢国画热的网上热心❤诚邀，当然是国画山水写意为佳！可惜我不会！画了两天竹子，后期连竹子也不画了，让大家见笑了，再见……

中国传统山水画根据画法和适应环境需求分为工笔和写意。写意对应的是写实，那为什么不把工笔画叫写实画呢？其实中国画与西洋画不同，整体都是写意多于写实，重意味而轻物象。所以即使是中国工笔画也是具有写意的境界的。然而，工笔画以勾线定形，晕染平铺，彩搭配。更偏重工艺性与陈列环境的烘托装饰作用，比如：大至宫庭庙堂，小及庭院客厅茶室，精工点缀，雅俗适宜。这是中国文化中体的形式美和仪式美的表现。相比工笔画，写意画较晚形成。文人士大夫是中国传统社会结构中较上层的阶层，诗书画印文是这类人士的文化内涵的外泻。他们通过书画表达内在的思想文化和内心的喜怒哀乐，以书写工具的毛笔描绘心中的世界，这些景象并不是真实的对境再现，这些文人画家不需去讨别人的欢喜，也不需要去装饰什么厅堂庙宇，只为内心表现。这就是写意画形成的根源。所以，写意山水画成为了中国画体系中最大最具体系的画类，也是中国艺术的精神成果。我重内心思考，并不需以画示人点缀雅堂，我喜欢写意画。英雄花-献给抗疫英雄

以下作品是个人的工笔画个写意画，作为一个十多年的业务爱好者，各有各的特点！工笔画偏重表现细腻细节，写意画重在表现神韵讲究用墨和水墨！

谢谢大家提出这个问题。看来已经有23位大家在回答。我是千千千里马。今天我就接着大家的这个话题说说，当代-推崇-写意-工笔这几个问题。中国画的写意是一种精神，从唐代已经开始，宋代比较普遍，元代达到新的一个里程碑。明清至今是写意画上升工笔画下降甚至退位都不过分的时代。当代，我们更是提倡写意画。这是偶然的吗？千千千里马告诉你，绝对不是。而是有着深刻的历史背景和国际文化大背景的。首先从世界范围来看。近代的西方绘画在脱离写实主义绘画而朝着抽象主义绘画发展。但是，抽象主义绘画好像前途也不是很大。今天，西方的绘画在有了印象派绘画以后，几乎一直不到自己新的发展路径。第一，西方传统的绘画是以模仿自然为最高理念的。这是十八世纪法国启蒙思想家狄德罗提出一个总结性观点。狄德罗在他的《论绘画》中深刻总结了西方绘画的基本方法，就是“模仿自然”。这样，西方的绘画就以越“真实”越美为基础了。但是，一百年之后，照相技术发明，这家伙一下就把西方画家的命基本给革命掉了。当时许多人认为绘画没有意义了，于是，西方绘画就开始从“模仿自然”的美梦中醒过来了，出现一个“印象派”的画家体。印象派，在西方绘画发展史上的意义十分重大。但是，对于中国人来说，不过是一种油画的“写意画”罢了，甚至距离中国写意画的智力含量相差甚远。就在西方欣赏印象派的时候，新的绘画流派又出现了。这就是表现主义，象主义，野兽派，立体派等等层出不穷。花样翻新的西方绘画，把西方绘画基本给推翻了。所以，对西方来说，就面临一个严肃的问题，绘画还有存在的必要吗？但是，就在西方绘画穷途末路的时候，看看中国画却依然生机勃勃的。这就是绘画还有没有希望问题的世界思考了。那么，中国画为什么几百年的改革发展之后还是生机勃勃？这里面有一个伟大的绘画真理。中国画始终是把绘画性作为绘画的本质的 。所以，中国画没有“模仿自然”这样的理论。绘画实践也不是“模仿自然”的，而是把画家的内心感受与物像存在充分结合起来的。画家更注重画家自身的感受，而不是物像的存在。这就是中国画的写意原理。这样画画，每一个人对同样物体的表现都会完全不同。假如，模仿自然，那么最终也就是画出一个原原本本的物像而已。假如推翻模仿自然，那么，最终绘画就不知道表达什么了。但是，画家的这个本领被照相机给替代了，甚至画家还不如照相机的本领大。所以，画家深以为耻。一个好画家，至少十年左右培养，而一个摄影家只需要几个月。摄影家很快能够挣到钱，而画家需要几十年的煎熬才能挣到钱。所以，西方画家必须到自己的生存方式。这就必须要“破坏”传统绘画。而中国画本来就与照相机没有任何关系。所以，中国画没有破坏传统绘画的理由。同时，中国画的绘画美学，也给世界带来希望，是世界绘画的新希望。这就是什么为什么当代要提倡写意画而不是工笔画的最大理由。不过，中国画的工笔画，也与西方的写实绘画不一样。虽然工笔画需要写实，也需要“三矾九染”的复杂工序。但是艺术作品本来就与画得快还是画得慢没有关系。它只与画得美不美有直接的关系。工笔画仅仅是一种绘画技法，工笔画同样可以画出写意的味道。因为写意，不是只有大笔大墨地画就是写意。写意更多是画家的个人创造性的美学。提倡写意画，也就是提倡绘画的创造性。而创造性有不能像西方绘画那样走极端。或者写实，或者绝对不能写实。齐白石把中国画的写意精神说的明明白白。他说“绝似媚俗，不似，欺人，妙在似与不似之间也”。

工笔画经历了一千多年历史，形成了山水，花鸟，人物各自的体系，在宋元以前，工笔画占有绝对的优势，只出现了如梁凯，米芾等少数写意画家。元以后，由于文人画的兴起，很多画家开始注重写意，特别是到了明末清初，由徐渭，石涛，八大山人，扬州八怪为代表的一大批画家，将写意画发扬光大，到了近代，以海派吴昌硕，任伯年为代表的写意画家，将写意画推向了主流。当代的齐白石，李苦禅，黄宾虹，张大千，潘天寿，傅抱石等大师，将写意画技法推向了高峰。综上所述，当代写意画的兴盛，是在文人画的基础上形成的，石涛曾经说过，笔墨当随时代，现今的国画的确是以写意画为主流的，工笔画作为研习中国画的基础，仍然是每一个画家必备的基本功，因为没有工笔画线描，彩的基础，画出的写意画是不会有骨有肉的。写意画作为当今国画的主流，越来越受到画家和爱好者的重视，一幅好的写意画，在笔墨淋漓的律动中，可以抒发作者的心情，可以给观者以一种仿佛流动的视觉冲击，可以让味到中国画的意境，可以让人有一种如诗如画的感觉，所以，写意画成为主流，超过工笔画的地位就不足为奇了。

中国古代文人的特性。工笔画讲求的是形式，这在中国历代文人中往往仍认为是工匠所做之事。而文人更关心的精神内涵，要有自身与众不同的东西，这也正是中国古代文人的傲娇之处。另外，写意画的大家也基本是文人墨客，多数并非专业画师出身，而工笔画又的确具一定的难度，但相反，写意画更注重是皴法与笔法，这对本身就擅长书法的文人来说可谓驾轻就熟。

一般而言，大多数读者会是如此。水墨画是绘画的一种形式。接触水墨画，了解水墨画，能分辨作品好坏的人恐怕不多；相比较而言，书法是字的“美”的表现形式。与人们工作生活密切相关。人人识字，人人用字，对字写的好坏，都有个基本评价。水墨画，接触的人不多，了解的人相对书法要少。分出好坏也较之书法困难。这里的“懂”是指“懂行”，懂“形”懂“意”。

当然！水墨绘画比书法的基本功要求更多样化、要求更高的悟性，单靠勤快、克苦、写字就容易上手。尤其正楷，格式有规，一板一眼。绘画不一样，既要对传统格局，对形体结构有深入的了解，对绘画风格变化，一个艺术家要有数次的变格，不一样的追求，尤其要具备一定文化修养，对生活、社会有自己的体验和深层次的体会……当然，书法走到了独创、书写草书时，也需要具备气质与修养，品性与丰满的知识，这些都需要知识层次的多元化来充实。

谢谢您的邀请和提问。“水墨画比书法更难看懂吗？”我觉得这个提问本身是比较模糊的。无论对绘画还是书法。因为，不是所有的绘画你都看不懂，也不是所有的书法你都看不懂。而且，也不是说在任何情况下，都会出现书法看懂了，偏偏水墨画就没有看懂。所以，绘画比书法更难懂，是模糊不清的。毕竟绝大多数情况下，绘画是以形象为主的，起码我们能看懂画的是什么。我们首先说说“水墨画”是一个什么概念。刘继卣的水墨淡菜水墨画有两种概念。一个是古代的“水墨画”概念，一个是现代“水墨画”的概念，其实二者没有特别的区别。古代把用纯墨画出来的画，就叫水墨画。而现代有些人把中国画叫“水墨画”。我对现代某些人的这种“水墨画”概念是持否定态度的。因为中国画无论是写意画还是工笔画都有水墨和设两种画法。也就是说，写意画和工笔画都可以设，也可以不设。八大山人的书法作品当然，工笔画不设的作品是很少的，但是，这是完全可以这样画的。例如，中国的白描，就是传统深厚的一种不设的工笔画。所以，现代人把中国画要叫做“水墨”或者“水墨画”，纯粹就是对中国画的以偏概全，没有什么道理。为此，有人辩解说，油画的材料都是一样的，那么，是不是可以说，油画就是英国油画、法国油画、意大利油画、欧洲油画、美国油画、中国油画、日本油画、阿拉伯油画呢？我认为，当然可以！为什么不可以呢？中国画是世界上唯一独特的绘画。油画在全世界传播，当然每一个民族有自己的民族特。张大千的设大写意作品而中国画的命名是因为现代绘画，有油画等等不同画种传入中国，所以，很有必要区别不同民族的绘画种类。因此，中国画这个名词就诞生了。但是，中国画这个名词的诞生，也不平静，有一段时间，又要把中国画叫做“彩墨画”，但是，“彩墨画”这个词，也没有流行多久，就消失了。不知我们的头条网友，还有没有人知道“彩墨画”这个词的。如今，我们中国画仍然是最流行的画种名词。例如，中国的美术学院，也是中国画系，中国画学院、油画系这样分的，似乎一直没有变。这就说明用“中国画”表达我们中国的传统民族绘画是最确切，一些人用所谓的“水墨”、“水墨画”表达我们传统中国画，只能是以偏概全。刘继卣的大写意中国画因为，所谓的“水墨画”只是中国画的一部分绘画风格而已，只有是纯粹用墨画出来的画才叫“水墨画”，这是完全代表不了中国画的全部风格和技术手段以及风格特。而且，水墨画也不一定就是中国画。例如，用纯粹的水墨画素描也可以，不用宣纸也可以画出“水墨画”，西方也有“水墨画”啊。你以为只有中国有“水墨画”？所以，就“水墨画”不一定都是中国画而言，这个提法也是非常不符合现代人的思维的。而在中国画的水墨画中，又因为表现手法不一样，所以，也就不是所有的水墨画都不好懂。例如，水墨画有工笔画、有小写意、有大写意，还有水墨抽象画。尤其是泼墨大写意画，绘画的形象很抽象，所以不是容易辨认出物象来，这就是不好懂的原因。如果要说不好懂的“水墨画”，应该是大写意和抽象画的成分多一点的作品。像小写意、工笔画的水墨作品，不会有不好懂的问题。清代伊秉绶的隶书作品这是我们从一般的绘画形式上来说了。但是，绘画也是有内容和思想精神境界的。有些作品，看出来是画什么了，但是，究竟要表达什么思想，那也有一定的困难。例如，八大山人的作品，鸟的眼睛总是向上翻，为什么画家这样画鸟儿的眼睛？也不是一般人能看懂的。所以，不要简单地认为：凡是水墨画就看不懂。这是不对的。也不是看出来是画什么了，就等于看懂了。我们再看看书法呢？也不是所有的书法都看不懂吧？例如，一般常见的楷书、行书为什么看不懂？书法是以文字为艺术载体的文化，我们絕大多數情况下，书法的文字，是仍然都能看懂的，除非你一个字不认识。但是，草书确实不太容易看懂。篆书比较远离我们的日常生活，你说不认识，看不懂完全可以理解。张大千纯墨画的大写意画其实，看绘画作品，我们一般人仅仅是看画了什么而已，至于内容欣赏就要涉及比较深的技术和文化了，当然就不一定仅仅看到画什么就认为看懂了。比如说，人家画竹子都是一节一节地画，但是，苏东坡老先生的竹子，是一笔画出一个竹竿。有人问了，先生，你怎么这样画竹子？苏轼说，因为我没有看到竹子是一节一节长出来的，所以，就不能一节一节的画。你瞧瞧！苏轼这样画竹子，你真的明白这幅“水墨画”了吗？元代倪云林水墨画《六君子图》还有一位画家更神了，画了六棵树，就说这幅画叫《六君子图》。按理，六君子应该是六个人才对，它只有六棵树，六棵树下也没有一个人哎！你看明白这幅“水墨画”了吗？所以，绘画作品不但有绘画形象，画了什么就什么的问题，还有绘画作品要表达一种什么思想境界的问题。如果我们只看画了什么，那就只能叫看图画，不叫看绘画作品。那么，水墨画真的比书法难懂吗？当然不是，因为絕大多數情况下，很多画家还是按照艺术形象画画的，所以，起码画的是猫是狗，我们还是看得出来的。至于泼墨的大写意画，也要看具体的什么内容，也不是所有的水墨狂涂都看不出来。例如，张大千画了很多山水画小品，其实一看，他画的就是山水。不过，书法和绘画一样，书法也有艺术境界问题，那些艺术境界很高的书法作品，即使是楷书，我们也不一定读懂它。例如，弘一法师的书法，八大山人的书法，都有很高的书法艺术境界。

水墨和书法的的工具都是毛笔，材料都是宣纸。很中国！水墨讲究水和墨的运用，有许多不确定性的机理效果呈现出艺术的美感。书法也是一样，讲究笔法，讲究气韵。其实不必看懂，你要觉得好看就足够了。

难看懂你是指国画大写意吗？与其说 今人提倡写意画风，不如说是在倡导表现主义的艺术趣味。正是这主观表现的艺术趣味，在中国画领域中催生了粗笔水墨，也即今人所谓的水墨大写意的技法，这种画风在技巧上体现以书法线条配合垛笔以简逸的表现手法来表现对象，作画时注重用线的书法味和墨的多变性，首重趣味！神 情 趣 三方面上下功夫！对于写意画来说，在欣赏的过程中最主要的是关心作品所传递的精神是否具有“气韵生动”之快感。写意画不仅是自然精神与画家心境的合一，而且是在民族精神与哲理下所构成的中国画特有的审美艺术观，从形似到神似再到气韵，最后形成诗、书、画、印相融合的文人画体系。“写意”两字看似简易，却包含着艰深而丰富的学术内容，非一蹴而就的浅学。欣赏者同样也要具备 相应的艺术修养。从一定意义上说：欣赏写意画必需涵盖两个方面的内容：一个是“载道”精神，另一个是“畅神”精神。两者不可或缺。

你所说的水墨绘画，应该就是中国画。书法是一种艺术语言，中国画也是一种艺术语言。要懂一种语言，学习是前提。就像学习英语，只靠多听并不起作用，而是要学习他的单词，语法....等等。当你了解了基础知识，和它的内在规律，再厚的英文书也不是问题了。看不懂中国画，基本就是对于中国画的元素不够了解，比如中国画的历史，也就是他是如何形成的，在形成过程中有哪些重要的改变和人物，主要的流派有哪些，又是在什么时期形成的，他们之间有什么关联，等等。当你了解了这些，看懂中国画就非常容易了。

国画作品和书法作品有不同的表现领域，不同的作者在表现同一个物体的时候，也会有不同的表现能力以及表现方法。所以至于说哪个多难懂一点，那还是得看个人的，因为即使同样的一副作品摆在不同的人面前。也会受到理解能力以及生活经验的限制。所以难不难懂，这个得因人而异呢，不能一概而论。

书法和水墨画不存在哪个更难懂。提问的人可能是感觉那种大写意的水墨画和书法里面的草书很难看懂是吧。对于艺术的欣赏水平是一个逐步积累的提高过程。如果你平时多学习艺术知识，按照从浅到深，从简单到复杂的过程学习，相信积累的知识多了，现在觉得看不懂的艺术，以后慢慢都会攻破、都能懂得欣赏了。现在觉得只能看得懂一些具象的画面，看不懂很抽象的水墨画，就多了解水墨画的发展演变，多看看古代名画家的水墨画作品，相信你的眼界会逐渐提高的。

不是的，始终是书法难懂，绘画怎么画都比书法直观易懂，书法有狂草和行书都很难懂，更别说有些书法家的丑书了！

水墨画，除了泼墨大写意，其他都容易看懂（如果都不懂，读一点古诗词，看一看作品简介和画评，特别是绘画理论），虽然说书画同源，但国画所用线条是“以书法的用笔，为实现画面的形神兼备而随时灵活变化的，与书法是有一定区别的。。。书法，除了草书、行书、篆书、隶书，楷书都较易看懂（如还不懂，可查繁体与简体字对比的字典，就算篆、隶、草、行各体都有书法字典可查）至于笔法、章法、风格等方面就慢慢来吧，不用急。。。所以我觉得水墨绘画和书法各有各的难看懂，也各有各的易看懂，一切在于你对书画的理解程度。。。个人拙见不喜勿喷，希望对你有用，祝你学习进步！

朱耷：也叫八大山人，是朱元璋的后人，明清时期画家，主要以花鸟画闻名于世。中国画没有抽象画的叫法，中国画一般分为工笔画与写意画，写意画有点类似于抽象画的意思，但本质上是不相同。

国画的“随类赋彩和”西画的“彩关系”@国画家 是一个非常专业、偏门的课题。所以，一般人不会答也不会看。问题是我提出来的，感谢楼上几位高手认真回答，学习了。我画国画的，画山水，我基本不用彩，水墨非常高雅。老传统、老先生们的国画，说是“随类赋彩”不如说是“随性赋彩”。传统国画教材里，没有彩法则，包括《芥子园》。我理解谢赫六法中的“随类赋彩”，就是看水墨需要，赋予一些彩，锦上添花，所以中国画还有个敬告: “不碍墨”。意思是，弄不好，宁缺毋滥。因此，看很多国画画的彩葡萄，一串串红的绿的，晶莹剔透，就是相互没有彩影响的固有，是几组单素描放在一起的拼盘。几乎，老夫子们都这样听从谢赫的指挥。古人说的，安敢不从？但是，上千年了，没有推进，中国画总要革命。1990年，我写了一篇《东西绘画关系的分野》，提出了彩关系理论的洋为中用，同时我开始临池实践。要让画面效果说话。经过10年，山东美术出版社为我出版了《怎样画葡萄》一书，用西洋画的彩关系理论画中国画，我拿葡萄做实验，形成一套《中国画写意彩理论》。用中国的毛笔、宣纸、彩、技法，西洋画的固有、邻近、光源、环境、对比、呼应/原补/加上纯度推移、明度推移，还有中国笔墨与西画彩关系的构成啮合，完成了一套新技法。“面壁十年图破壁”，3000多葡萄实验稿件，2000年元旦凌晨，我全部烧掉！这就是湖南日报发布的文章《丹青焚》。《写意彩》课题完成，也就是真正意义上的“洋为中用”过程。非常辛苦，但是总有点收获。2010年《桑梓情》在巴黎卢浮宫展出时，老外说，你的彩平衡（color balanced）非常棒。不择手段使我们的中国画变得更加美丽，使文学更加可口，是我的终身追求。希望我们的讨论对后学有用，就没有白辛苦。也希望在今日头条平台引起讨论。潇湘画派研究院 唐思源 2019.11下面，是我的研究结果:

谢谢您的邀请和提问。“随类赋彩”是南齐（479年—502年）时代的画家评论家谢赫在《古画品录》中提出的“六法”之一。他在《古画品录》中说：“六法者何？”一气韵生动是也二骨法用笔是也三应物象形是也四随类赋彩是也五经营位置是也六传移模写是也这就是中国画理论非常重要的绘画和欣赏理论“六法”。所谓的“六法”，就是中国画绘画基本原理必须遵循的六个基本原则。这六个原则，从欣赏绘画艺术的目标到绘画技法的具体手法，都有了精确的表达和深刻的阐述。唐代韩滉的作品《五牛图》之一其中，“六法”最为画家关注的是“气韵生动、骨法用笔”二句。其余的“应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写”几乎就是一般常识，意义不是特别突出。但是，作为一个绘画理论，在中国南齐时代就已经提出来了，这在全世界，也是宝贵的绘画美学理论。值得我们永远学习。南齐的齐高帝（479~482年在位）时代，虽然真正只有两年，但是齐国相对比较稳定。齐高帝是一个饱读诗书的儒将出身，自称是西汉宰相萧何的后代，崇尚艺术，收集了大量书法绘画艺术品，需要欣赏和鉴别，谢赫就是当时的重要画家之一。他的《古画品录》就是为欣赏绘画作品，提供一些具体的欣赏标准。宋代人物画设也很次要谢赫在《古画品录》在《古画品录-序言》中首先提出绘画的目的在于：“明劝戒，著升沉，千载寂寥，披图可鉴”。这是有积极意义的，南齐是我国南北朝时代最短命的一个王朝，只有短短23年。就因为腐败而亡。这大概是画家谢赫无法预料的。我们估计，谢赫应该活到梁武帝时代的。到了梁武帝时代，绘画进一步得到发展。不过，中国南北朝时代的绘画，远没有完成绘画的高峰。中国画这一时期的绘画设，还处于平涂阶段。中国画到唐代才进入一次较大的飞跃性进步。绘画作品开始有一定的渲染和层次。设也有浓淡变化了。但是，中国画一直没有上升到以彩的，逼真去还原物象的物理真实。所以，谢赫提出的“随类赋彩”也就是绘画的一般彩观，与“应物象形”一样，没有多少深刻的彩造型意义。与油画的彩完全不是一回事。而且，谢赫提出的“随类赋彩”，比西方油画的彩艺术，要早1000多年，这在人类文化发展史上，也是不能同日而语的。油画是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，15世纪尼德兰画家扬·凡·艾克（1385-1441） 早期的画其实不叫油画，叫蛋彩画。主要是用蛋清或蛋黄以及其他辅助材料调和颜料粉末作画，制作过程和作画过程都相当繁复。又因为调和物本质上还是水性的，导致彩的饱和度不高，无法绘制出颜浓郁精致的画面，使得蛋彩画看上去有灰蒙蒙的感觉。扬·凡·艾克的代表作《阿尔诺芬尼夫妇像》扬·凡·艾克改良了这种方法，第一个用蓖麻油调和矿物颜料粉末作出油画。新的作画方式最大的好处就是颜料不会在作画过程中迅速凝固，又解决了饱和度不高的问题，便可以极尽可能地把画面进行细致处理。后人因扬·凡·艾克对油画艺术技巧的纵深发展做出的独特贡献，誉其为“油画之父”。从扬·凡·艾克开始，西方油画的彩就在绘画中的一位越来越重要，以至于形成绘画的彩学。这个学问是建立在光学原理和颜料应用学基础上的。北齐画家杨子华的作品《校书图》与西方绘画的彩不同，中国画的彩一直处于绘画的辅助作用的地位。设对中国画的意义没有决定性作用，以至于中国画还发展为水墨画了。例如，画竹子直接用墨画，甚至用红的朱墨朱砂来画，这就与竹子的本翠绿，完全没有关系了，竹子的颜，在中国画中完全是以“气韵生动”和“骨法用笔”为依据。启功先生用朱墨画的竹子这在油画来说是完全不可思议的。近代油画多用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变，多种颜调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。这些油画的，艺术和逼真的效果，完全要通过彩的艺术和科学的调配了实现。而中国画至今也没有这样的绘画彩方法。中国画与油画的美学基础是不一样的。所以，油画重视彩，通过彩的逼真，来还原视觉的物理真实，而中国画是对视觉经过抽象处理以后，还原了精神感受的艺术形象。往往中国画更多是画本质。

中国画的“随类赋彩”出自“谢赫六法”，谢赫六法是南齐著名画家兼理论家谢赫，在自己著作《古画品录》里总结出来的中国画的审美理论体系，是品评和欣赏中国画非常重要的美学标准。到现在，这套理论体系依然对中国画有非常重要的指导意义。谢赫六法包括：气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移摹写。“随类赋彩”在这套体系里的意思为，给画面中的物象设置颜时，相似度要尽量达到物象的本来颜。唐代·李公麟《五马图》局部“气韵生动”是说，把任何描绘对象都当做独立的生命体去看待，要展现出描绘对象生动的韵味和精气神，能看到鲜活的生命力。“骨法用笔”是说，要以书法用笔入画，能从笔墨线条中看到骨力。“应物象形”是说，画出的东西要跟现实中的东西有较高形似度。“经营位置”是说，要重视画面的构图和章法。“传移摹写”是说，要重视临摹的作用。“随类赋彩”是中国画彩美学的体现，它在中国画里的重视程度并不高。齐白石《蝉》南齐(479年——502年 )距离现在1500多年，那时的中国画还处在初级探索阶段，技法比较简单，常采用线描加“分染法”来画画，画面效果类似于连环画，构图简洁，造型呆板，彩单薄，缺乏厚重感和层次感，整体水平并不高。但是，这时能总结出如此完善的绘画理论，历史意义不容忽视。中国画真正发展起来是从隋唐之后，确切地说，是从隋朝绘画大师展子虔（545年——618年）之后，技法逐步完善起来的。展子虔发明了“青绿山水”，让彩的审美功能在中国画里大大提高。达芬奇《蒙娜丽莎》从唐代中期以来，工笔画逐渐兴盛起来，在设上发明了“罩染法”，进一步发扬了彩在中国画里的审美作用。西方油画诞生于13世纪末期到14世纪初期，是由尼德兰绘画大师杨凡艾克（1385年——1441年）通过改造“蛋彩画”后，形成的一种新的绘画方式。蛋彩画以鸡蛋清调和颜料来作画，由于鸡蛋清里边水分较大，在画画过程中，颜料很容易干燥，会导致画面看起来灰暗、模糊，甚至看起来脏兮兮的。经过大量尝试，杨凡艾克逐渐采用亚麻仁油、核桃油、蓖麻油等植物油，取代鸡蛋清做溶剂，没想到这种尝试给西方绘画带来了彻底革新。雷诺阿《船上的午宴》比起水作为颜料溶剂，植物油干燥慢、挥发慢，能长时间保持画面的润泽度，让画面看起来彩鲜亮、艳丽，有非常好的视觉效果，因此，这种技法自文艺复兴之后，被广泛推崇起来。因为用植物油作为调和剂，因此，被称作“油画”。艺术巨匠达芬奇（1452年——1519年）是西方历史上第二位对油画做出重大改革的人，他主要引入焦点透视、解剖学、光影明暗法科学手段，从造型结构上对油画做出了重大贡献。第三位对油画做出重大改革的人物无疑是文艺复兴末期的“威尼斯画派”绘画大师提香（1488年——1576年），他彩构成和视觉效果上对油画做出了重大改革。自此，造型和彩成为油画艺术中最重要的两项审美指标，其重要性就像国画中的气韵和笔墨。明朝·八大山人《墨荷》然而，彩的作用无论怎么在中国画里受到重视，跟西方油画比起来，彩从来不是中国画的主要审美指标。国画画的是“心象”，即通过主观情感升华后的形象。油画画的是“物象”，以还原本来面貌为准则。“谢赫六法”已经讲得很清楚，彩在中国画里，从来都是一个辅助手段，不是不可或缺的元素。中国画里完全可以忽略彩的存在，在中国画美学思想里，墨、水、纸三者不同程度的结合，能组成黑、灰、白，它们本身就能构成千变万化的彩构成。比如，文人画”大师创作时，如，苏轼、文同、八大山人、徐渭、黄宾虹，他们完全依靠水墨的浓淡干湿，来表现画面的结构、层次、趣味和意境，同样能达到很好的艺术效果。油画本身是基于科学精神和物理真实创造出来的画种，是对自然万物的真实再现，万物本来是什么面貌，画出来必须是什么面貌，越接近真实越有艺术性。如果油画中没有彩，就变成了素描。

中国画入门必须熟悉笔墨，传统入门都从《芥子园画传》开传，这是公认的途径，艺术院校和自学都是如此。古人将对自然的概括提炼，加以系统的总结分类，形成一定的章法。后人参照学习可以很快步入国画殿堂，因此，当大家都以此为蓝本时，故画风多雷同，千人一面。这是提高广大普通入门体水准，普及传统中国画的必由之路。师傅领进门，修行在个人。每一个人悟性、天份、勤奋各不相同，画风也各不相同。国画领城入门易，提高难，形成风格难，自成一系更难。这也形成了国画千篇一律的印象。但任何时候、任何领域都有顽强坚持的探索者，相信我们一定能看见中国画精彩份呈的那一天。西洋油画以油画颜料来表现，用高度写实的技法展现主题，比较适合现代人的审美。油画绘制繁琐，材质成本高于中国画。但无论中国画还是油画，都是注重随类赋彩的。国画重意，油画重形。

谢谢悟空邀请！中国画的随类赋彩和西洋画的彩构成肯定是有很大的区别，但是两者对彩的追求并非无法调和。一中国画的随类赋彩关于传统彩观。两汉时期，孔子将彩分为：正、杂、美、恶四，赋予伦理内涵和尊卑标识。当时在学术里尊孔重教，绘画题材注重社会功能性。魏晋南北朝时期，谢赫在《古画品路》中提出了“六法”，以总结我国古代绘画的理论与实践，里边的“随类赋彩”，就很好地阐述了中国画彩的理论和实践。“六法”是中国画审美的重要法度，涵括“气韵生动”“骨法用笔”“应物象形”“随类赋彩”“经营位置”“传移模写”六大原则，“随类赋彩”简明扼要地指出了中国画以类设的基本原则。随类赋彩不是随着作为客体的对象的本赋彩，而是随着审美主体心物交感的体悟意象进行设，强调审美的主观能动性。它远取诸物、中得心源，将远近高下、春夏秋冬、阴晴寒暑统纳笔端纸上、一一诉诸丹青，通过心物交感实现主观与客观的统一。中国画的随类赋彩，不拘泥于光源冷暖调的局限。比较重视物体本身的固有，而不去强调在特殊光线下的条件，同时中国画用也包括作者的主观意象彩属性。二西洋画的彩构成彩构成(Interaction of Color)即彩的相互作用，是从人对彩的知觉和心理效果出发，用科学分析的方法，把复杂的彩现象还原为基本要素，利用彩在空间、量与质上的可变幻性，按照一定的规律去组合各构成之间的相互关系，再创造出新的彩效果的过程。彩构成是艺术设计的基础理论之一，它与平面构成及立体构成有着不可分割的关系，彩不能脱离形体、空间、位置、面积、肌理等而独立存在。西方的彩不同，油画的彩是光谱，更接近自然，彩的相、明度、纯度是西洋画彩的关键。自然界的物体五花八门、变化万千，它们本身虽然大都不会发光，但都具有选择性地吸收、反射、透射光的特性。 如达•芬奇的《蒙娜丽莎》。也可以画得较粗，如印象派的某些作品。不论粗矿或细腻，油画都要有强烈的真实的感觉。国画中的工笔重彩画也是工细逼真的，国画中的写意画也是粗放的。但与油画比较起来，这是两种不同的工细和粗放。油画作品不论从形象、从彩来看似乎更强烈、更厚重、更鲜艳一些，而国画作品似乎更文雅、更浑厚、更沉着，更富民族性一些。后期印象主义画家塞尚曾说：“绘画不是追随自然，而是和自然平等存在着”。三中西方彩有不同也可调和中西方彩观念最大的不同，与西方绘画的科学彩学相对照，传统的中国彩理论可以称之为哲学的彩学。西方的彩学认为，光是发生的原因，彩只是人类对其感觉的结果。这是根据现代物理学、光学、生理学、心理学的一系列实验结果得出的科学结论。因此，对于自然光的光谱分析，奠定了彩学上三原理论的基础，而由此衍生出的一系列光谱学的彩序列很快地对绘画用产生了革命性的影响。中国画根据阴阳五行原则，古代中国的哲人将彩归类为五种基本原素，即青、赤、黄、白、黑五，以这五种彩分别象征自然界和社会人类的各个方面并组织成某种密不可分的关联结构。譬如，在空间方位上，五分别代表东、南、中、西、北；在社会道德上，代表仁、礼、信、义、智；在个人情感上，代表喜、乐、欲、怒、哀；在四时节序上，代表春、夏、四季总和、秋、冬；在医学上，代表肝、心、脾、肺、肾五脏；在音乐上，代表角、徵、宫、商、羽五音以及五气、五味、五卦、五星、五神等等。在人类已经有过的各种文明之中，没有哪一种文明或文化像古代中国文明那样重视彩的象征意义、精神内涵与哲学价值，也没有哪一种文明将彩作为哲学意义上的宇宙秩序来使用，自己觉得这应该是值得骄傲的，也应该是更有自信的，没有必要非要和这那的比。还有相同的就是中国画不是没有彩，丹青一词就是国画最早的名称，丹青就是国画主要使用的两种彩，由此就可证明国画对于彩的重视，而且就仅仅从颜上分，中国就有工笔淡彩，工笔重彩，青绿，浅绛，泥金，彩墨等等很多。所以，对于彩的重视两者并没有不同，中国水墨画只是中国画一种特殊的表现形式。通过对近现代西方油画艺术中彩情感表现的论述，我们可以充分感受到近现代西方绘画中的彩，是运用直观强烈、夸张的彩来表达个人情感的，呈现人的主观世界，最终达到表现心灵、情感及精神内涵的目的。中国画的彩是调和，是概括，所以中国画着被称为“设”，或“布”，并不是仅仅为了还原自然的颜，而是经过体会后的心象之。 所以，对于彩也都是反映感情或者是内心的。